Alexis Tuersley & Virginie Hucher

France, février 2022

Virginie Hucher  est une artiste plasticienne française qui développe une esthétique majoritairement abstraite. Elle est avant tout un corps, un esprit en perpétuel mouvement. 

Le mouvement transpire à travers les créations de Virginie, je les observe, j’entends Lakme ou la Wally en fond et mon être tout entier est transporté à l’orée d’une forêt dense, les chants d’oiseaux me parvenant avec une clarté juste et étonnante.  

Dans la lignée du land art, cette passionnée de danse et de musique improvise des esquisses sur le sable, la neige, la terre et l’eau, avant de traduire ses idées au travers de divers médiums : acrylique, huile, performance, sculpture. 

De la créativité de Virginie naissent toutes sortes d’émotions. En ce qui me concerne, la démarche artistique de cette archéologue de la nature, me plonge dans l’apaisement, dans le tutoiement de l’être et le rapprochement organique de l’espèce humaine. Providentiel.

ENG/ Virginie Hucher is a French, mainly abstract, visual artist. She is first and foremost a body, a spirit in constant mouvement. 

Mouvement is central within Virginie’s work, I observe it, hear Lakme or La Wally in the background, and my whole body is transported within reach of a dense forest, birds singing high and strong. 

Following the concept of land art, being passionate about danse and music, Virginie improvises drafts and sketches in the sand, the snow, the earth and water, after which she translates those same ideas through different mediums such as acrylic and oil painting, performance and sculpture.

Thanks to Virginie’s creativity many emotions arise. As far as I am concerned, the artistic process of what I would call an archeologist of nature plunges me into a state of healing, during which I feel as close as I can get to my soul being and the reste of humanity. Providential reading. 

FR/ Pouvez-vous vous présenter ? 

Je suis artiste plasticienne, je dessine, je peins et je sculpte. Mais j’ai d’abord commencé par danser, très tôt, à l’âge de deux ans. Ma mère, chorégraphe, m’emmenait toujours avec elle, lors des répétitions et des spectacles. C’est par le mouvement, cette forme d’art vivant que le dessin, la peinture et la sculpture sont entrés dans ma vie. C’est la notion de “faire corps” qui a construit mon univers artistique. Le corps inscrit dans l’espace-temps m’a conduit à créer des formes de vies, des chorégraphies du vivant. Pour créer une œuvre, je passe d’ailleurs par la performance, par une série que je nomme “Supports vivants” (dessins sur le sol, sable, neige, eau, terre). Elle s’inscrit dans une démarche de libération du corps et de l’esprit et dans une improvisation totale in situ, pour laisser la spontanéité opérer, et observer l’ensemble grâce à des sortes de reportages, photos et vidéos pour ensuite étudier les croquis réalisés sur ce que j’appelle les “Supports vivants”. Il s’agit donc de médium à part entière, qui me sert d’appui pour mes créations sur papier, toile et en céramique. C’est un processus créatif qui libère et qui induit d’autres formes d’art

ENG/ Can you introduce yourself ?

I am a visual artist, I draw, I paint and I sculpt. But first of all I was a dancer, I started at a very young age, around two. My mother was a choreographer and would take me along with her to attend rehearsals and shows. It’s through mouvement that art such as drawing, painting and sculptoring entered my life. Its the sense of being ‘as one’ that constructed my artistic world. The body taking shape in a time-space is what drove me to create different forms of life, live choreographies. To create a new project, I use performance art, through a series that I name “Supports Vivants” (drawings on the ground, in the sand, snow, water, earth). The idea is to free the mind and body through in-depth improvisation and spontaneity, to observe the result through reportages, photos and videos and then study the sketches that come through. It’s therefore a totally seperate medium that serves my paper, paint and ceramic creations. It’s a very liberating creative process that induces new forms of art. 

 FR/ A quel moment avez-vous commencé à créer ? 

C’est par la découverte du monde que la création est arrivée. Chaque sensation marque un début de création. La danse est la première forme d’art qui s’est proposée à mon langage artistique, puis très vite est arrivée la peinture, sans jamais cesser la danse. J’ai grandi entre la région parisienne et la campagne, entre la Baie de Somme et la Normandie, un paysage altéré, oscillant entre la ville et la nature, une sorte d’équilibre pour l’imaginaire.  J’ai suivi des études artistiques à Paris jusqu’à l’université en Arts plastiques. Et ensuite une spécialisation en esthétique de l’art, et en arts appliqués. Parallèlement à mes études, j’ai réalisé des expériences dans le domaine de l’architecture intérieure et de la mode, et fréquenté des ateliers d’artistes, tel que Bruno Lebel pour m’enseigner le dessin notamment. Plus récemment, je suis sur le projet de conception et réalisation de mon atelier.

ENG/ When did you start to create ? 

It’s by discovering the world that creation came upon me. Each sensation marks the beginning of creation. Danse if the first form of art that that entered my life, painting followed very quickly, without ever abandonning danse. I grew up between the outskirts of Paris and the countryside, between the Baie de Somme and Normandy, an altered landscape, fluctuating between town and nature, a good balance for the imagination. I studied art at university in Paris. I then specialised in art aesthetics and applied arts. Alongside my studies I experimented within the interior design and fashion world, and attended artists workshops, such as Bruno Lebel who taught me how to draw. More recently I am working on the design project of my atelier.

FR/ Quand et où vous sentez-vous la plus créative?

Il n’y a pas de moments ou de lieux précis pour cela.

ENG/ When and where do you feel the most creative?

 There are no precise moments or places for that.

FR/ Qu’est-ce-qui vous inspire dans votre travail ? Quelles sont vos plus grandes influences artistiques ? 

Tout peut être sources d’inspirations, cependant, il est nécessaire de les canaliser, de les organiser. C’est pour cela que je travaille avec des carnets, des photos, des vidéos, tout enregistrer sur des supports différents, se poser, et revenir dessus, parfois des mois, des années mêmes!

La nature est un thème récurrent dans mon travail, parce que je vis et travaille dans la nature, et parce que je voyage beaucoup, pour réaliser d’ailleurs la série “Supports vivants”. Le corps est très présent également dans mes recherches, en passant par la danse, et également par l’idée taoiste c’est-à-dire qui se fonde sur l’existence d’un principe à l’origine de toute chose, sur la naissance etc …

Mes influences artistiques sont diverses et varient selon un moment, un état. L’univers de Constantin Brancusi, de Fabienne Verdier, la peinture italienne de la renaissance, les sculptures de Henry Moore, Marta Pan, Jean Arp, les oeuvres de Picasso, la série sur la danse de Matisse, les chorégraphies de Pina Bausch et de Maurice Béjart, la musique africaine, Barbara, Serge Gainsbourg et l’univers de Cocteau. Mais c’est une réponse qui peut changer selon le moment où elle est posée, bien que ces artistes restent des piliers.

ENG/ What inspires you? What are your biggest artistic influences ? 

Everything can be inspirational, it is above all necessary to channel and organise the different elements. Which is why I work with notebooks, photos, videos,. I record everything as much as possible, let it sit, and then come back t it, months, sometimes years later !

Nature is a recurring theme in my work, because I live and work in nature, and because I travel alot, often for the “Supports Vivants” series. The body is also very present in my work process, through danse and the concept of taoism which believes that the Tao is the source of everything and the ultimate principle underlying reality, birth etc …

My artistic influences are very diverse and vary alot, due to the moment or my frame of mind. Constantin Brancusi, Fabienne Verdier, italian renaissance, Henry Moore sculptures, Marta Pan, Jean Arp, Picasso, Matisse’s series on danse, Pina Bausch and Maurice Béjart’s choreographies, african music, Barbara, Serge Gainsbourg and Cocteau. As I said, it is an answer that can truly vary depending on the moment, but they are my main pillars no matter what. 

 FR/ Pouvez-vous nommer une femme qui vous inspire ? 

 En ce moment, Barbara.

ENG/ Can you name a woman who’s inspires you ? 

At the moment, Barbara. 

FR/ Quelle est votre tenue de travail idéale  ? 

 Je porte une combinaison ou une salopette de travail.

ENG/ What is your favourite work outfit ? 

I wear a boiler suit or a pair of work dungarees. 

FR/ Avez-vous un outil indispensable dans votre atelier ? 

Un mur d’images d’inspiration, une sculpture de Bruno Lebel, une vue sur la forêt, de la musique, et la présence de Vénus, ma sacrée de Birmanie.

ENG/ Your most important work tool in your atelier ?

A wall of inspirational images, a sculpture by Bruno Lebel, a direct view of the forest, music, and Venus, my sacrée de Birmanie. 

FR/ Comment travaillez-vous ? 

 Chaque jour et chaque nuit sont différents. J’écoute et j’accueille ce rythme.

ENG/ How do you work ?

Each day and night are very different. I listen and welcome that rhythm.

 FR/ Quelle est la partie la plus compliquée de votre travail ? Et celle qui vous passionne le plus ? 

Les expériences sont le fruit de la création. Chaque jour, tout recommencer, ce n’est pas une complication, mais un choix. C’est une façon de vivre, pour moi ce n’est pas un métier, il n’y a pas de savoir-faire, rien ne se répète vraiment. Une découverte, un mystère à chaque fois. C’est bien cela qui me passionne !

ENG/ Which is the most difficult part of your work ? Which do you prefer ? 

Experiences are the fruit of creation. Each day, starting all over again is not a complication, it is a choice. It’s a way of life, for me it’s not a job, there is no savoir-faire, nothing really repeats itself.  A discovery, a mystery each time. That’s what fascinates me !

FR/ Une pièce, une oeuvre ou un projet coup de coeur ? 

Je remercie infiniment toutes les personnes qui ont permis nos belles collaborations. C’est de loin, l’œuvre ultime.

ENG/ A piece of your work or project that you feel particulary close to ? 

I deeply thank all the people who have enabled great work collaborations together. It’s by far the ultimate project. 

FR/ Pouvez-vous définir votre travail en trois mots ? 

Vivant, Mystique, Organique.

ENG/ Your art in three words ? 

Lively, Mystical, Organic.

FR/ Quels sont vos futurs projets ou collaborations ? 

La création de mon atelier. Une nouvelle série sur la cosmogonie et la Polynésie. Une exposition au Luxembourg, à Metz et en Belgique. Et une nouvelle collaboration dans le secteur de la mode pour le printemps.

ENG/ What are your upcoming projects ?

The creation of my atelier. A new series on cosmogony and Polynesia. Exhibitions in Luxembourg, Metz and Belgium. And a new fashion collaboration for the Spring. 

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François Beauxis & Virginie Hucher

France, avril 2019

Virginie HUCHER : du « corps-objet » au « corps-sujet »

Licenciée en Arts Plastiques, et diplômée d'une école d’Arts Appliqués, Virginie a travaillé́ auprès de créateurs de mode et de décorateurs d'intérieur, puis enseigné les Arts Plastiques. Ses grandes rencontres artistiques ont été des artistes tels que Bertrand Moulin, Bruno Lebel, Michel Gouéry ou encore Marc Alberghina.

Quelle est ta recherche artistique ces dernières années ?

Je m’intéresse à l’Origine du monde vivant, à l’espace-temps, au vide et au plein, à la symbolique chromatique et animale, végétale. Ma recherche personnelle de ces dernières années se traduit avec le temps par une esthétisation de l'anima (*)et de la nuit, qui me fascine, car elle me détache du monde et entretient le mystère. Tout cela évolue en parallèle de mes recherches archéologiques que je mène depuis l’enfance.

Naissance, mort et renaissance, comment se traduisent ces cycles ?

Aux deux extrémités du cycle de la vie, il y a des corps inanimés à qui j’aime (re)donner un souffle. En mettant une âme dans ces corps, c’est ma façon de figurer les humains.  Les peaux sont blêmes comme celles des nouveaux nés, avant qu’ils ne commencent à respirer, ou comme celle des dépouilles…comme une volonté de rendre hommage au vivant.

Les têtes des personnages sont sans cheveux, quel sens donner à ce choix ?

Le côté androgyne, nouveau-né, et les morts qui surgissent sous la forma statuaire. Les cheveux sont comme des vaisseaux sanguins, ou comme des racines, ou encore des rayons de soleil. Privés de leurs chevelures, mes personnages sont coupés de leur histoire, abandonnés, habitent un monde vide, rempli de solitude. La tonte signifiait autrefois don de soi et pureté.

J’ai écrit, il y a 3 ans, ceci : « Or, c'est précisément de ces visages, de ces portraits, voire de ces autoportraits, qu'émerge l'impression violente du vide, d'une solitude, d'un abandon, d'une séparation, d'un deuil. D'une attente, qui semble prendre toute la place. Cette solitude que "chacun porte" en soi, comme une expérience unique et profondément intime. »

« Corps-objet » versus « Esprit-sujet » quelle est ta proposition artistique ?

Dans la série « Le corps et l'autre », il s’agit d'une fabrique du vivant, qui passe par une archéologie du vivant, à travers l’instant du rêve. Mon travail fait objet le corps en le structurant, voire le déstructurant. Je rends objet le corps par la symbolique chromatique, par exemple quand je peins un corps blanc-gris j'objective le corps en statuaire, en nouveau-né, et aussi quand je crée de nouvelles formes végétales, par le processus d’hybridation (surtout dans mes tous derniers travaux). Ma proposition est de rendre le corps sujet, en évoquant l'âme, et objet en évoquant les corps dans le sens physique.

Un dernier mot ?

Ne montrer que l’essentiel, déstructurer pour recréer et animer, rester sensible à la vie invisible, à la chair, au corps cellulaire, à « l’intérieur » et aux contours. Briser l’espace et le temps et affirmer sa présence au monde.

(*)L'anima(du latin anima « souffle, âme », d'où vient le terme animal) est, dans la psychologie analytique du psychiatre suisse Carl Gustav Jung, la représentation féminine au sein de l'imaginaire de l'homme. Il s'agit d'un archétype, donc d'une formation de l'inconscient collectif, qui a son pendant chez la femme sous le nom d'animus.

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Louise Coussieu-Baylac & Virginie Hucher

France, juin 2019

Virginie Hucher vit et travaille à Paris jusqu’en 2010. Depuis 2011, elle réside près d’Amiens où elle a réalisé un projet maison-atelier. 

Son travail est montré en France, en Espagne, en Angleterre, au Luxembourg et en Nouvelle-Calédonie dans des collections privées et publiques. 

 Sa pratique artistique est pluridisciplinaire et se décline en dessin, peinture, photo et  céramique.

Son travail a des dimensions métaphysiques et porte sur la relation entre le corps et le monde, l’âme, la nature, le végétal et l’organique. Ses oeuvres sont également intimement liées à la danse contemporaine qu'elle pratique depuis son enfance.

Louise Coussieu-Baylac:

Lorsque j’ai vu les oeuvres de Virginie je me suis d’abord interrogée sur ces corps, ces membres, qui se dédoublent et se multiplient. Me rappelant à tous ces doubles que l’on retrouve dans l’art et la littérature: les mythes de Pygmalion, de Narcisse et de l’androgyne dans le Banquet de Platon… Le double met en jeu des questions qui ont à voir avec la biologie, la psychologie ou la sociologie, et bien sûr avec les mythes.

Derrière cette notion de double se profilent la confusion du réel et de l’imaginaire, de l’effacement de la frontière entre le sensible et l’intelligible, la vie et le marbre, ou la toile peinte, et en tant que réalité forgée qui prétend rivaliser avec le « divin »… 

Nous pourrions aller très loin encore mais peux-tu nous en dire plus sur cette notion de double et de reproduction que l’on retrouve dans ton oeuvre? 

Virginie Hucher: 

La série que j’expose ici à la Galerie Peugeot s’intitule Le corps et l’autre, on peut donc directement  parler de la notion de double, de l’autre mais aussi de l’anima, de l’animus et de la persona. L'animus selon Carl Gustav Jung, créateur de la psychologie analytique, est la part masculine de la femme. Il s'agit d'un archétype, donc d'une formation de l'inconscient collectif, qui a son pendant chez l'homme : l’anima. Ce qui m’intéresse, c’est de peindre ce couple alchimique. Ce rapport invisible.

Louise Coussieu-Baylac:

Le psychologue Otto Rank interprète la notion de double comme une réponse à l’angoisse de mort. Le double est ainsi l’ombre qui représente l’âme, la partie immortelle de l’être (alors que le corps en est la partie mortelle). 

 Qu'en est-il dans tes oeuvres de cette dualité: âme/corps, nuit/jour, vie/mort?

Virginie Hucher: 

Pour peindre, j’ai besoin de faire cohabiter dans mes compositions, mes couleurs et mes recherches, des différences et des oppositions. Le contraste est un moyen de faire ressortir une idée. Peindre la nuit, sans évoquer la lumière ne la rendrait pas aussi mystérieuse. Toute la beauté du monde réside dans son contraire.

La naissance et la mort sont deux thèmes récurrents dans mon travail en photo, en dessin, en peinture mais aussi en volume. Ces deux pôles participent à la narration de mon univers par leur présence dans un espace-temps bien défini.  Les personnages dans ma peinture et également dans mon travail en sculpture sont souvent dénudés, sans cheveux, sans signe sexuel distinctif. Ils s’inscrivent dans un espace-temps qui traverse le passé, le présent et le futur. Venir au monde et partir de ce monde.

Louise Coussieu-Baylac:

On ressent très bien le lien entre ton travail sur le corps et ta pratique de la danse dans ta décomposition des membres et de leurs mouvements. Néanmoins, il y a toujours une notion de « non-réalité » induite par les couleurs, les formes « simplifiées », amplifiées (crânes chauves) ou incomplètes.

Tu disais par exemple dans l’une de tes dernières interviews que les tons gris rappellent la statuaire mais aussi le nouveau-né ou le corps mort. 

Pour mieux comprendre ton langage, peux-tu nous en dire plus sur ces corrélations? Que représentent ces parties du corps que tu isoles (la main, le crâne chauve, le dos…) et les couleurs que tu utilises?

Virginie Hucher: 

J’ai grandi dans le monde de la danse, de la musique et du spectacle. Le corps et l’esprit sont exposés au monde, l’intime et le cosmos se rencontrent. Une chorégraphie et une mise en scène s’installent en permanence pour montrer. Il y a la scène, le danseur, le public, mais aussi, les coulisses, toute la préparation du corps et de l’esprit qui va se mettre à nu et entrer en scène. Pour s’exprimer et se dévoiler.  La préparation du corps est une étape qui m’a toujours intéressé, les échauffements, les isolations. Cette concentration sur une partie du corps. Déstructurer le corps pour mieux le structurer. Un travail en abstraction que j’ai réalise dans une série qui s’intitule, le corps chorégraphié, que j’ai commencé en 2014.  Finalement il est de nouveau question de plein et de vide, du cosmos et de l’intime, de la lumière et de l’ombre, etc… 

L’être humain n’est-il pas lui même ancré dans un phénomène naturel d’opposition; cosmique pour la partie supérieure et tellurique pour la partie inférieure du corps.

Louise Coussieu-Baylac:

En voyant tes oeuvres j’ai beaucoup pensé à l’ouvrage « du spirituel dans l’art et dans la peinture en particulier » de Kandinsky. J’ai donc ressorti mon vieux livre et suis tombée sur cette citation dans la préface de Philippe Sers de 1988:  

« Une oeuvre d’art n’est pas belle, plaisante, agréable. Elle n’est pas là en raison de son apparence ou de sa forme qui réjouit nos sens. La valeur n’est pas esthétique. Une oeuvre est bonne lorsqu’elle est apte à provoquer des vibrations de l’âme, puisque l’art est le langage de l’âme et que c’est le seul. »

« L’art peut atteindre son plus haut niveau s’il se dégage de sa situation de subordination vis-à-vis de la nature, s’il peut devenir absolue création et non plus imitation des formes du modèle naturel. »

Ton travail est très figuratif alors qu’il représente des notions métaphysiques très abstraites. Pourquoi tu utilises tant de références à l’objet pour représenter l’immatériel? 

Virginie Hucher: 

L’opposition, la dualité, les extrêmes se définissent dans les thèmes que j’utilise dans mon travail et pour aller encore plus loin dans cette démarche, je peins autant abstrait que figuratif. J’ai toujours utilisé l’un ou l’autre selon l’idée, le concept que je souhaitais représenter. Par exemple, une oeuvre que j’ai réalisée au printemps 2019, qui s’intitule « swimming pool » présente lors de cette exposition, est une oeuvre entre abstraction et figuration, comme une pixelisation du paysage. La piscine est un thème récurrent dans mon travail et dans mes rêves personnels depuis l’enfance. Beaucoup de symbolisme existe autour de la piscine, elle reflète par exemple la qualité de nos relations sociales entre autres, et l’eau dépeint les sentiments véhiculés entre nous et les autres. D’ou cette idée de paysage « social » pixelisé, ou encore divisé en de multiples petits carrés (carreaux) de couleur unie. 

Louise Coussieu-Baylac:

Je trouve ce mur de nez particulièrement intéressant. 

Encore une fois, j’en reviens à Kandinsky (je ne me suis pas arrêtée qu’à la préface…) qui considère le triangle comme la représentation même de la spiritualité. La base la plus large serait la foule, la majorité de la population. Dans toutes les sections du triangle se trouvent des artistes, et ceux qui parviennent à voir au-delà de leur section est un prophète pour leur entourage, car ses nouvelles connaissances et « ouvertures d’esprit » influenceront. Ce processus favorise l’évolution des mentalités, de la réflexion et donc de la spiritualité.

Le nez c’est ce que l’on voit en premier chez l’autre, ce qui s’avance vers nous, qui nous différencie aussi parfois mais surtout nous humanise. C’est la partie que l’on martèle en premier sur les statue pour ne pas qu’on reconnaisse une figure d’autorité. C’est par là que l’âme s’échappe si l’on éternue. Et sa base est l’endroit de l’oeil intérieur ou oeil de l’âme. 

Dis nous en plus sur ce mur et ta volonté de redonner du souffle à l’inanimé… De donner du sentiment à la matière…

Virginie Hucher:

Le nez est ce qui se voit en premier sur un visage, du moins c’est la partie qui ressort le plus en volume, plus ou moins chez certains. Il caractérise de ce fait le lien social, cette proximité vers l’autre. 

Le souffle vital est une installation de 69 nez réalisés en faïence installée pour la première fois l’année dernière, à Metz, à la Galerie des jours de lune, de Vivianne Zenner, dans le cadre d’une exposition personnelle, intitulée le corps chorégraphié. Pour faire sens, l’installation était accrochée à côté d’une toile, intitulée le sacre du printemps. Ce ballet est une oeuvre de rupture de soi pour les autres, vers les autres. Un sacrifice orchestré par Igor Stravinsky.

J’ai tenté de traduire le souffle, la vie qui anime l’être de tout son corps et de toute son âme dans sa relation avec soi et sa relation avec l’autre et les autres. Cette verticalité nasale rythme la composition et se positionne encore une fois dans un axe net terre-ciel. Dans l’inspiration, c’est le monde extérieur que l’on introduit en nous, et dans l’expiration c’est l’intime qui s’offre au monde. Cette respiration, ce souffle intérieur- extérieur symbolise finalement cette idée du corps et l’autre.

Rendre l’invisible, visible.

Louise Coussieu-Baylac:

La danse, la peinture, la sculpture…

Cette pluridisciplinarité est-elle pour toi essentielle pour aller au bout de ton processus de recherche? 

Virginie Hucher: 

Quand je danse, je pense danse mais aussi peinture, dessin, volume etc… Je peins ce que je vois, ce que j’entends, ce que je ressens lors des voyages, de moments de vie etc… Tout est lié, tout est possible. Pour peindre la danse, il faut danser, pour dessiner l’eau, il faut devenir cette eau, tout sentir et ressentir. 

Je visualise, je procède par différentes réalisations de croquis dans des carnets. Tout comme dans ma série supports vivants, le dessin sur le sol, sur la neige, le sable, la terre, l’air et l’eau m’emportent dans une danse sur un support naturel pour mieux ressentir la forme, la composition. A ce moment je cristallise le moment en photographiant ou en filmant. Puis je m’en sers à l’atelier. Tout est fabrique du vivant!